Pierre Imans, el artista de maniquíes.

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A menudo se encontraban ambientados en un cuadro de moda -en un crucero, tal vez, o en el salón bebiendo un digestivo- los maniquíes de cera de Imans: pelo humano, ojos vidriosos y dientes de porcelana cuyos nombres podrían ser Roberta, Elaine y Nadine. Evitando el ideal de una forma perfecta de cuerpo femenino, las figuras de Imans tenían pechos planos, caderas anchas, caras que representaban la mediana edad y eran de talla 46. Los maniquíes de Imans reflejaban las diversas formas corporales de las mujeres, aquellos potenciales clientes que miraban la ropa en la vitrina.

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Jane Munro nos cuenta sobre estos maniquís en Silent Partners:

“Dos empresas francesas líderes en la fabricación de maniquíes en los primeros años del siglo XX fueron Pierre Imans y Siégel (más tarde Siégel Stockman, la cual aún existe). Durante las dos primeras décadas del siglo, ambas firmas produjeron maniquíes fabricados predominantemente con cera, un material muy valorado por su capacidad de simular piel. Imans, nacido en Holanda, ganó una reputación particular por sus sofisticadas y refinadas figuras de cera, y estaba bien ubicado para desarrollar esta línea en particular, habiendo estudiado con el escultor Ludovic Durand, uno de los modeladores en jefe en el Museo Grévin, museo muy popular de cera en París que se abrió al público a mediados de la década de 1880. Sin embargo, la asociación solo hizo que Imans fuera más entusiasta para distanciarse de las figuras de cera estilo museo, que denigró como banales y grotescas. ”

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Él era famoso, tanto así que en 1925, para preservar el cuerpo de Santa Bernedette de Lourdes, la compañía de Imans produjo una piel de cera parecida a la que tuvo en vida  para cubrirle sus manos y su cara.

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Desde la década de 1920, se introdujeron una gama de nuevos materiales como cérolaque y carnasine (una mezcla de yeso y gelatina) para producir maniquíes más ligeros y resistentes, y también nuevos acabados y efectos diseñados para mejorar el estado de lujo del maniquí y para asegúrese de que no se derretirían durante su exposición en la vitrina.

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Estos no eran maniquíes, sino “creaciones artísticas”, “grandes obras maestras de la escultura moderna”, la fabricación de maniquíes exigía ímpetu creativo e intelectual, y como tal era en sí mismo una forma de “l’art tout court” (“arte puro y simple” ).

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Fuente: https://flashbak.com/pierre-imans-wax-mannequins-and-the-ideal-female-body-173246/
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Pierre Imans, el artista de maniquíes.

Matsuyama Miyabi, la artista de lo sombrío

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El lunes aún no acaba y creemos que les gustaría conocer a está artista de Instagram: @matsuyama_miyabi
 
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Plague
“Matsuyama Miyabi”, una artista china que asume un apodo japonés, define su estilo artístico como “Neo-Ukiyo-e”. Yuxtaponiendo la belleza femenina de las imágenes del mundo flotante de la tradicional era Edo con temas de muerte y destino y una atmósfera espléndidamente sombría. Ella conjura verdades oscuras e inquietantes y revela la oscuridad de los temores más indescriptibles.
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Blindness
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Las obsesiones e inspiraciones de Matsuyama Miyabi van desde películas de terror y suspenso hasta el arte manga grotesco de Junji Ito, y reconoce su afición por las famosas posturas retorcidas usadas en la fotografía de moda (le recuerda a las figuras del baile en Noh Plays de Japón). Además del encanto único de los extrañamente atractivos modelos de alta costura.
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Falling
Matsuyama Miyabi, la artista de lo sombrío

Collett, el imitador de la pintura satírica.

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John Collet o Collett (1725 – 6 Agosto 1780) Fue un artista de la sátira. Sus pinturas representan situaciones humorísticas, basadas en el estilo de Hogarth, a quién imito pero nunca superó.
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Representó escenas de libertinaje, la vida cotidiana de las clases bajas, debilidades sociales y situaciones absurdas. Sin embargo, no poseía la fuerza y la profunda moral de la obra de Hogarth, y sus imágenes son a menudo meros plagios, apelando solo a un gusto vulgar. Sin embargo, cuando quiso ser original, mostró una gran habilidad y sus pinturas siempre se ejecutaron cuidadosamente.
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Sin embargo, hubo una gran demanda de sus obras y grabados, muchos de estos fueron publicados por Carington Bowles, Smith & Sayer, Boydell y otros editores conocidos.
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Collett continuó exhibiendo para la Free Society of Artists hasta 1783. Sus imágenes dan una idea de los modales a finales del siglo XVIII. En 1775, Sheridan sacó su comedia The Duenna y Collett dibujó imágenes basadas en escenas de esta obra. Uno de ellos, que representa la escena de la bebida en el convento (acto iii, escena 5), la cual figura en la Historia de la caricatura y lo grotesco en el arte de Thomas Wright.
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Dos imágenes en acuarela de Collett, tituladas “El asilo para sordos” y “Promenaders” en St. James’s Park, fueron al Museo de South Kensington. En la sala de impresión del Museo Británico hay una colección de grabados de sus obras. La mayoría de los cuales se describen en el Catálogo de Sátiras Políticas y Personales Preservadas en el Departamento de Grabados y Dibujos del Museo Británico. Existe una lista de verificación de sus grabados por David Alexander.
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Fuente: https://en.wikipedia.org/wiki/John_Collett_(artist)

 

Collett, el imitador de la pintura satírica.

Harold Feinstein, el fotógrafo de Coney Island

Hoy se cumplen tres años de la muerte del fotógrafo de Coney Island, Harold Feinstein, un artista que supo capturar la vida cotidiana en el instante perfecto, mostrando la experiencia humana en una sola toma. Te invitamos a conocerlo.

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Coney Island Teenagers, 1949

Esta es una de sus imágenes más conocidas, que como muchas fue cosa del azar. Sobre aquella foto le dijo al Art New England en 2011, “Un día estaba caminando por la playa, y ahí estaban estos chicos, y uno de ellos dijo: oiga señor, tomeme una foto… Me acerqué y mire hacia abajo y la foto ya estaba allí, lo único que hice fue apretar el botón”

“La clave está en que hay imágenes en todas partes. La pregunta es ¿Qué es lo que no vemos y porque no vemos demasiado? Yo solo veo”

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Feinstein comenzó a fotografiar en 1931. En 1950 y con tan solo 19 años fue considerado un niño prodigio. Ese mismo año, visitó el Museum of Modern Art (MoMA), allí camino al escritorio principal y pidió ver a Edward Steichen, el director del departamento de fotografía. Ese día le compraron sus dos primeras fotografías, las cuales fueron incluidas en la colección permanente del museo. Formo parte de la New York School.

En 1952 fue reclutado por el ejercito y sirvió en Pusan durante la guerra con Corea. A su regreso hizo exposiciones colectivas en el Whitney Museum of American Art y en el Museum of Modern Art, además en 1957 realizó una exposición en solitario en el George Eastman House en Rochester.

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CI-050 Lady Snake Charmer, 1995

Su mayor inspiración fue Coney Island, como alguna vez le dijo a The Guardian, “Allí había demasiadas cosas para fotografiar, la pregunta no era como tomar una buena fotografía, sino como perder una… Hay italianos, puerto riqueños, personas de todo el mundo, y no tienes que pagar para estar ahí, era realmente el mejor lugar para fotografiar personas”

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Lifeguard, 1980
CCI-23 Lifeguard 1980

En 1958 expresó su filosofía a la revista anual U.S Camera, “Debes fotografiar aquello que te involucre, donde te encuentres abrumado por lo que ves antes de verte a ti mismo, donde contengas el aliento antes de activar el obturador, no porque temas hacer algún ruido, sino porque estás haciendo de tripas corazón para recibir el dulce dolor de una imagen que formará parte de tu vida”

 

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“Man Smoking in Diner” (1974). CreditHarold Feinstein

En 1999 se acerco a la fotografía digital, usó un escaner como cámara y creo detallados retratos de flores, frutas, vegetales, conchas marinas y mariposas. Fueron reproducidos en siete libros.

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Pg-126 Dying Chinese Hibiscus, 1999
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B7-003 Atlas Moth, 2007
B7-003 Atlas Moth 2007

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Falleció el 20 de junio de 2015 de un paro cardíaco.

 

Fuente: https://www.nytimes.com/2015/06/30/arts/harold-feinstein-dies-at-84-froze-new-york-moments-in-black-and-white.html
Harold Feinstein, el fotógrafo de Coney Island

Harry Holland – Un pintor con un toque de misterio

Ya llegó nuestro lunes inusual y les traemos estás hermosas pinturas.

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‘Pop’ 1969 oil on canvas 122 x 153 cms

Harry Holland es un pintor escocés nacido en Glasgow en 1941. Su estilo es distintivo y reconocible de inmediato, algo que todo artista sin duda busca.

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‘Visit’ 1970 oil on panel 22 x 17 cms

Sus pinturas resultan sugerentes ya que implican situaciones, eventos o relaciones que no están directamente expresadas, lo que las dota de un atractivo sentido del misterio.

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‘Two Men’ 1997 oil on panel 120 x 100 cm

Se formó académicamente en la St. Martin’s School of Art  entre los años de 1965-69. Pero es desde 1970 que este extraordinario artista clásico ha realizado más de 30 exposiciones individuales y figurado en innumerables exposiciones colectivas en todo el mundo .

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‘Doll’ 1982 oil on panel 20 x 16 cm

No es sorprendente entonces que su trabajo se haya desarrollado siguiendo una sustancia de valor internacional que agrade a los coleccionistas y encuentre un camino hacia numerosas colecciones públicas en todo el mundo, incluyendo la Tate Gallery, el Museo Británico, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Museo Nacional de Gales, National Portrait Gallery de Canadá , Welsh Arts Council, European Collection Parlamento, Colección Nacional de Bélgica y el Cambridge Fitzwilliam Museum.

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‘Pictures’ 2005 oil on canvas51 x 51 cm
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‘Boat’ 2009 oil on canvas 66 x 112 cm
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‘Friends’ 2013 oil on panel 65 x 47 cm

 

Si quieres ver más de su trabajo te invitamos a que visites su sitio web https://www.harry-holland.com/

Harry Holland – Un pintor con un toque de misterio

#LunesInusual: Mer Young, de lo ancestral a la modernidad.

En nuestro lunes inusual queremos traerles a esta joven artista, quién a través del collage, muralismo, instalaciones, dibujo y la pintura muestra la diversidad humana, celebrando y elevando las culturas indígenas que han sido reprimidas, las culturas nativas y las mujeres de color.

Su trabajo ha sido incluido en numerosas exhibiciones nacionales e internacionales.

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Pueden encontrarla en sus redes sociales:

https://www.facebook.com/youngmerart/

https://www.instagram.com/youngmer/

https://www.meryoung.com/collages

 

#LunesInusual: Mer Young, de lo ancestral a la modernidad.

#Domingo: Isadora Duncan,un giro en el ballet clásico.

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La bailarina estadounidense Isadora Duncan (1877- 1927), sembró las bases para la danza contemporánea del siglo XX. Fue pionera en su ramo y alcanzó la perfección siendo su propio maestro, en el que para ella, el cuerpo debía ser translúcido para proyectar el alma y el espíritu. Sus enseñanzas y personalidad son ahora parte importante del desarrollo de la danza.
 
De padres divorciados, la madre de Duncan debió ser una figura extravagante para la época por independiente, aferrada a los hijos y sin fe religiosa. Aborrecía los convencionalismos. Eligió el feminismo entre la presión calvinista y el credo católico, y podríamos decir que fue una gran influencia para su hija.
Isadora era amante de los cánones de belleza de la antigua Grecia, de tal modo que en sus actuaciones se vestía con una túnica transparente, con los pies, brazos y piernas desnudos, y con su largo cabello suelto. A pesar de que los críticos no soportaban ver a una mujer irreverente que bailaba descalza, con una túnica y sin maquillaje, admitían que en su danza había un arte original y apasionado.
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Además de crear una revolución en el ballet, Isadora dejó una serie de escritos que fueron publicados después de su muerte en los cuales expone “la reivindicación de la danza como arte; el descubrimiento del cuerpo libre en conexión con el ritmo de la naturaleza; la vinculación entre la liberación corporal, la personal y la social (de la mujer / del oprimido); la interpenetración de amor y creación, y la búsqueda en la literatura, la filosofía y la ciencia de un pensamiento que sirva de base para la formulación de una nueva reflexión sobre el arte, la mujer y la sociedad directamente emanada de la experiencia del cuerpo.”²
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Algunas fuentes señalan que Isadora era bisexual y una de las relaciones que están más documentadas es la que mantuvo con la escritora Mercedes de Acosta.
Muchos han hablado sobre su vida personal debido a la desafortunada historia que la acompaño. Tuvo una hija con el escenógrafo británico Gordon Craig y un hijo con el magnate de las máquinas de coser Paris Singer; ambos murieron en un accidente automovilístico (1913).
La muerte tampoco fue consuelo, mientras conducía su automóvil, el extremo del pañuelo que adornaba su cuello se enredó en una de las llantas y le quitó la vida el 14 de septiembre de 1927 en Niza, Francia. En ese mismo año publicaron su autobiografía titulada ‘Mi vida’.
Personajes como Celia Cruz han hecho homenaje a la artista:
Fuente: https://www.danzaballet.com/la-danza-de-isadora-duncan-1877-1927/
²https://www.danzaballet.com/el-arte-de-la-danza-y-otros-escritos-isadora-duncan/
#Domingo: Isadora Duncan,un giro en el ballet clásico.